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Michael Jackson: un réquiem por Peter Pan

2009-06-26T13:45:00.004-05:00

Ayer, 25 de junio de 2009, murió Michael Jackson, como consecuencia de un infarto cardíaco. Hace ya mucho tiempo que no sacaba una canción que me gustara, ni me gustaba su figura, relacionada de inmediato a la pedofilia y a la inseguridad, a la reclusión y a las nefastas consecuencias que en alguien pueden tener la búsqueda por igual de la belleza y la inmortalidad. Michael Jackson de un tiempo para acá se había convertido en un monstruo, en el amplísimo sentido de la palabra; por eso decidí congelarlo en los ochenta, cuando era un niño ingenuo y sufrido, víctima de su padre y del público y del mercado implacable del pop, en donde supo ser el rey inamovible. Decidí dejar a Michael Jackson como un jovencito negro de voz afeminada que poseía y posee aún el talento de hacer bailar al más amargado. Hecha esta salvedad, no puede pasar el tiempo sin que se haga un homenaje a una figura que, para bien o mal, marcó la vida de mi generación y la de muchas otras con ejemplos brillantes de lo que es el pop cuando se hace bien. Ya llegarán los especiales de E! Entertainment Television, ya llegarán los documentales de VH1, los mini especiales de todos los canales de cable, del más blanco al más amarillo y las repeticiones incesantes de todos sus videos, comentados por todas las insípidas estrellas del pop actual. Ya llegarán los homenajes pomposos, pero yo entrego a su majestad este pequeño artículo.

Sobre él se cernió la sombra de la sospecha y se elaboraron juicios muy amargos sobre todo cuanto hacía. Siempre he admirado la capacidad de algunas figuras para hacer lo que se les da la gana, como David Bowie, Miguel Bosé o George Michael, pero este caso era diferente, porque todas sus acciones parecían desprenderse de un desatino supremo, de un miedo voraz y siempre creciente. Michael Jackson temía como pocos el paso del tiempo, y construyó una tierra para él solo, que llamó Neverland, para hacer de su persona y de su vida un monumento a la figura de Peter Pan, el niño que nunca creció. Por eso, en el día de su muerte, cuando rondaba los 50 años, no sé qué pensar. Se trata de una edad muy temprana para que un hombre muera, pero no necesariamente para Michael Jackson, un niño eterno que hoy abandona el mundo de los vivos, dejados atrás los años de su gloria brillantísima y viejo de alma, con los ojos del mundo entero mirándolo para condenarlo, idos ya hace tiempo su inocencia y su belleza; es posible que el rey del pop haya muerto muy tarde, pero así son las cosas.

Las canciones memorables de Michael Jackson serán bailadas por siempre, de eso no hay duda. Harán mil covers buenos y malos, pero ninguno de ellos igualará la frescura de las originales, no importa qué voz maravillosa las cante, porque se trata de las canciones hechas por una persona como ninguna otra, nacida entre nosotros para llevar el pop en la sangre, toda la cadencia de la industria musical concentrada en una sola persona. Así que hay mucho que agradecerle ahora que el trono está desierto y Madonna se pasea sola por los jardines del éxito, agradeciendo el buen hado que la ha conducido a ser una figura sobre la que no recae tanto peso como sobre su compañero de reinado, que fue también el rey de los niños incomprendidos y hoy nos deja con este sabor agridulce en la boca. Hasta aquí este merecido homenaje, que he decidido cerrar con la clásica frase que se le daba como despedida a los reyes de Francia: Le roi est mort, vive le roi!

Santiago Rivas

Nueva música colombiana

2009-06-15T06:18:00.004-05:00

Existen países privilegiados, como Argentina, Brasil o México, que tienen un acervo musical en constante renovación, estudiosos de las músicas populares tanto de su tierra como de las otras y siempre dispuestos a acoger nuevos sonidos en la ecuación, y hay países como Colombia, que habiendo tenido y teniendo figuras brillantes de la música como Alejo Durán, Lucho Bermúdez, Sofronín Martínez, Petrona Martínez, Totó la Momposina, Matilde Díaz, Lisandro Mesa, Los Gaiteros de San Jacinto o Joe Arroyo, ahora se ven condenados al tropipop, a Fanny Lu y a Naty Botero, o a los vallenatos aguados de la nueva generación; países en los que todavía se piensa que Juanes toca rock y las nuevas bandas no encuentran casi espacios para darse a conocer porque sus miembros, a su vez, conocen a poca gente.

Al comienzo la música fusión colombiana se vio tropezando con algunos excesos de jazz apenas predecibles pero demasiado arrogantes, o con la fórmula siempre fácil de ensalzar la pobreza como una virtud cool, a falta de verdaderas denuncias o por lo menos de un conocimiento real del problema: “en Chocó no hay cableado, pero hay buena energía”. O teníamos a los amigos del tropipop, que es como el hijo belfo y enfermizo de la decimosexta generación de una familia aristocrática europea. En resumen, de nuestras fusiones solía resultar salsa rosada, agua tibia y salpimienta. O Cabas, que tiene todo eso y más en su afro cachacaribe.

Pero hechas las críticas, vengan las loas. Desde hace ya un tiempo se viene formando una nueva escena por la cual algunos estábamos rogando a los insondables designios de quien quiera que esté al mando y creo que nos la merecíamos finalmente. Seguramente se trata de propuestas y grupos que ya tienen unos años, músicos comprometidos que desde hace rato le estaban trabajando a lo que ahora se oye, gente que pertenecía a otros grupos o gente que por fin conoció a la gente indicada, pero el momento es muy afortunado para la música colombiana. Por un lado están volviendo todos los aires de la riquísima tradición musical de nuestro país y la gente está volviendo a oír a los maestros de siempre, como Lucho Bermúdez, Pacho Galán, los Gaiteros de San Jacinto, etc. y por el otro lado se están haciendo fusiones mucho más honestas, que rescatan de verdad el espíritu raizal de la música, fusiones hechas por oídos que no solamente oyen, también celebran; oídos que bailan. Salieron del closet por fin muchos que antes solamente oían rock, pop y electrónica y todo parece indicar que la cosa seguirá mejorando entre el porro, la cumbia, la guabina, el bambuco y los cantos tradicionales de las negritudes en nuestras dos costas, por decir lo menos.

Esta ola de nuevas propuestas no solamente es un movimiento al interior de la música, o por lo menos no repercute solamente en lo que se denomina “la escena”. Dice mucho de nuestras posibilidades como país el hecho de estar nuevamente oyendo eso que teníamos tan olvidado, escuchando eso que viene desde las entrañas de nuestra cultura, de los pueblos y los barrios bajos, porque Colombia nuevamente es un país que oye y oír es importante para entender las dimensiones de nuestra realidad y nuestra cultura. Pero en estos momentos de infausta oscuridad política es más importante que Colombia se convierta en un país que habla. Una propuesta nueva a cualquier nivel es una propuesta nueva en todos los niveles, y hecha con calidad, tanto mejor. Colombia, aunque muchos no se den cuenta, parece estar dando sus primeros pasos de bebé en la dirección correcta. Esperemos que nuestros amigos del estilo, el glamour y lo políticamente correcto no corten esta avanzada en pro de la pluralidad y, sobre todo, de la sabrosura, que tanta falta nos estaba haciendo.

Por último, solamente me queda nombrar tantas bandas como alcance a recordar, para que quien no las ha oído las oiga y quien ya los oyó se consiga sus discos: Velandia y la Tigra, la BambaraBanda, ChocQuibTown (a pesar de incurrir en ese vicio terrible que mencioné arriba sobre Chocó y la pobreza), Bomba Estéreo, el Systema Solar, Tumbacatre, Macondo, Lavanda Sonora, La 33, Toño Barrio y SolOkarina son algunas de las propuestas que por fin nos permiten decir que existe una música colombiana. Falta, claro, y seguramente falta mucho, pero este abrebocas de lo que ha de venir es un alegre comienzo. Les dejo un montón de videos, disfruten.

Santiago Rivas

El "Indie" parte II: Cartografía del independentismo

2009-06-10T04:20:00.004-05:00

Antes de arrancar hay una aclaración pertinente para hacer, y es decir una vez más que los grupos que inicialmente fueron denominados indie fueron los grupos que firmaban con disqueras independientes, pero que este mapa que pienso hacer es el de eso que la gente entiende como el sonido indie. He decidido tratar el tema como si el indie fuera un país con 4 fronteras, para tratar de hacerme más fácil este trance cartográfico (imagen 1). A saber:

Por un lado, el indie es vecino del brit pop. No solamente por sonido, también por la historia (el Brit pop como lo conocemos nació en las islas británicas, y también el indie, que es en realidad una respuesta en estrategias de mercado a lo mainstream dentro de las estrategias del mercado discográfico británico). Así, de paso es vecino de nuestros compatriotas de The hall effect y The mills, que esperan ansiosamente un guiño de su Graciosa Majestad Isabel II para irse a vivir a orillas del Támesis. En cuestiones de sonido todas las facetas de uno se encuentran reflejados en una faceta del otro. De esa manera, si Blur fuera menos pop podría alcanzar estados de indie y si Coldplay fuera menos aburrido posiblemente sería indie también.

Por otro lado, el indie colinda con el folk. Con la ola de artistas que nos llegaron de afuera revivimos también el sonido de personas que no habían (o han) muerto literal ni musicalmente, refiriéndome con eso a Leonard Cohen o incluso a Johnny Cash, que alcanzó a darle a esta tendencia un empujón de su parte antes de morir, haciendo un disco de covers maravillosos, que bien podrían pasar por indie, si bien los covers hechos por artistas de este género suelen ser tristones y limpios de sonido, sin muchos arreglos electrónicos, como pasa con los excelentes covers que Ben Gibbard (la cabeza detrás de Death cab for cutie y The Postal Service en la imagen 3) suele hacer; no sé si exista un disco con grabaciones hechas en estudio, pero recomiendo conseguirse las grabaciones de la emisora KCRW. Gracias al regusto vintage que tiene el género que hoy nos ocupa, rescatamos de plano a gente como Chris Isaac, o Edwin Collins. El mayor beneficiado con los productos de esta región del indie fue José González, que desde Suecia, e inspirado en parte por Silvio Rodríguez (este dato se lo debo a Javier Beltrán), logró una serie de covers tristes a morir, muy buenos y algunas canciones realmente buenas dentro de toda su producción. No se niega que es un músico talentoso, pero al cabo de un tiempo se puede volver aburrido, o forzadamente triste. Para estos casos siempre es mejor recurrir al verdadero folk, como Andrew Bird, Mica P. Hinson o Iron and Wine (imagen 2), que son dos cantantes excepcionales y una excelente banda. Si no les llega a gustar, Leonard Cohen viene haciendo maravillas desde el sesentaypico. Sin ir más lejos, por esta frontera se puede llegar incluso a grupos como Beirut, que ya es de otra nación, pero que nace en parte (a oído) del indie y el folk más puros.

La tercera frontera es aquella que colinda con el sonido que comprende géneros como el New new wave, el nuevo punk rock y el sonido de Nueva York, una amplia frontera que va por todo el atlántico, desde los Strokes, Metric, The Kills (Imagen 4) y The bravery hasta los Kaiser Chiefs, incluso hasta The Sounds, en las frías tierras de Suecia. Este tipo de música sonó como nunca en las fiestas New Wave que si no estoy mal introdujo Champi (la cabeza detrás de Verde 3) en Bogotá y que todavía existen por ahí. En los bares en donde se hacían se fueron transformando las fiestas de New wave y post punk en ochentenas (unidas estas a las fiestas ochentenas ya existentes), porque la gente tiende a pensar ahora que Samantha Fox y The Cure pertenecen al mismo género, el género de los Ochenta.

La cuarta frontera colinda con la tierra de las mujeres. Ahora más que nunca existen voces femeninas suficientes para crear un género nuevo, todas ellas herederas de Tori Amos, Fiona Apple, Björk, PJ Harvey y Sinead O’Connor, por mencionar algunas. Todas ellas cantan suavecito y tocan guitarra, o piano. Tal vez la voz femenina más ruda de entre las cantantes que rondan los aires indie sea la de Amanda Palmer, vocalista del dúo The Dresden Dolls. Podemos encontrarnos directo con Regina Spektor, una rusa residente en Estados Unidos de una claridad impresionante tanto en su composición como en su interpretación, que pasa de lo naive a lo dramático en dos segundos y a quien comparan – muy a su pesar - con Fiona Apple. Podemos encontrar también a Cat Power con su música famélica (imagen 5), a Feist, que es una de mis favoritas por lo sincero de su voz, que a veces parece que se va a quedar sin potencia, o podemos encontrar a Kate Nash, Laura Veirs, Zooie Deschanel, a la cantante de Rilo Kiley, Russian Red o a Jaymay y así y así, a una infinidad de intérpretes, entre las cuales incluso se encuentra Lucrecia, nuestra cuota nacional con su The Sound of Lucrecia, que ya suena – y espero que triunfe – extramuros, en países que entiendan mejor de estas cuestiones.

Para finalizar este artículo, que espero hayan disfrutado, debo declarar que el sonido indie como tal no existe, lo que existe es una serie de grupos (momento de más recomendaciones) como Tokyo Police Club (imagen 6), Foals, Cold War Kids, Black Heart Procession, The National y Menomena (imagen 7), todos ellos dueños de sonidos únicos, genuinos y originales que de ser clasificados en algún género, sería en éste. El indie se convirtió en un cliché de nuestra vida musical y muy pocas veces se entiende en realidad de qué se trata, pero pasadas esas barreras inocuas del lenguaje y los moldes que creamos para contenerlo, podemos encontrar grandes propuestas sonoras que algún día desistiremos de agrupar bajo categorías que lo que normalmente causan es confusión. Por otro lado, ¿Qué mejor que lograr que todas las nuevas propuestas que valen la pena en nuestra escena musical, o la del mundo entero lleguen algún día a funcionar como independientes y sobrevivan en el intento? El mercado es un ente que se inventa todos los días y siempre necesitamos propuestas nuevas.

Santiago Rivas

El "Indie" parte I: La búsqueda

2009-06-04T22:44:00.006-05:00

He decidido acometer por mi cuenta una empresa que ahora, ad portas de empezarla me parece imposible. Intentaré a continuación hacer un mapa de ese género amplísimo que conocemos como indie; antes de que este ritmo muera, o mejor dicho, antes de que los que fueron sus entusiastas seguidores se aburran y vayan en busca de nuevos revivals, me parece pertinente analizar este fenómeno que está involucrado con muchas más facetas de nuestra vida musical de las que creemos, debido esto a lo difuso de sus límites. Acompáñenme entonces por este recorrido lleno de curvas, entuertos y letra cursiva.

Para los legos (y algunos estra-landias), el indie es una cosa nueva, parecida en su funcionamiento al alternativo de los años 90. La verdad es que el término indie (que viene de independent) denomina a un tipo de música que los ingleses de los 80 encontraron inclasificable, dentro de toda la gama de ritmos post-punk que nacieron a comienzos de esa década. De manera que el indie, a grandes rasgos, existe desde que existió The Smiths.

A nosotros en estos años nos llegó primero la moda revival del new wave, pegadito de lo que se conoce estrictamente como post-punk (léase: Joy Division de la mano con Gang of Four). Una serie de djs y pinchadiscos locales entre los que me cuento, empezamos a incluir en nuestros sets una gran cantidad de música new wave o sus derivados contemporáneos. Es más, es exactamente ese el momento en que yo empecé a poner música. Ahora mi set es muy distinto, como se darán cuenta por artículos anteriores, pero no por eso dejé de buscar tanto hacia atrás como adelante todo el new wave, new-new wave y post punk que pudiera conseguirme. Al cabo de un tiempo se trocaron los términos de moda y apareció en todo su esplendor lo que ahora llamamos indie con propiedad erudita y en letras mayúsculas.

Hasta aquí la primera parte de este artículo, que es apenas la introducción. En la siguiente parte nos remitiremos estrictamente a hacer un mapa del territorio ilusorio, amplio y difuso del indie, desde sus parientes británicos hasta los que ha regado por todo el mundo occidental, y de paso voy a ir recomendando bandas. Hasta pronto.

Santiago Rivas

YouTube Sinfónico

2009-05-10T00:00:00.003-05:00

Los tiempos han cambiado y la sensación de que el mundo se ha globalizado es innegable. Internet es una herramienta poderosa y lo que hasta ahora era intangible, con simples videos colgados en la WEB, se convirtió en una realidad con el proyecto sinfónico del portal de videos YouTube.

La historia reciente comienza en septiembre de 2008 cuando el portal, con un ambicioso objetivo, decidió anunciar la unión de los músicos aficionados y profesionales del mundo en un nuevo proyecto llamado “YouTube Symphony Orchesta”. El plan fue sencillo: no importaban las edades, los lugares de origen o los instrumentos que interpretaran; lo único que debían hacer los participantes en las audiciones, era enviar un vídeo tocando una obra compuesta por el reconocido compositor chino Tan Dun.

Las partituras de la obra se empezaron a descargar poco después del anuncio. Había en ellas una melodía designada para cada instrumento y los aspirantes, además de interpretarla, debían montar el video en el portal de YouTube para ser calificados. En poco tiempo empezaron a llegar miles de videos de miles de personas alrededor del mundo. Los ganadores, fueron evaluados por músicos de las orquestas más prestigiosas y los usuarios del portal fueron quienes finalmente decidieron quiénes eran los elegidos para ocupar los codiciados puestos en la sinfónica.

Así pues el 2 de marzo pasado, los 93 seleccionados viajaron a la ciudad de Nueva York para tocar bajo la batuta del director Michael Tilson Thomas. La presentación en vivo se llevó a cabo el 15 de abril en el Carnegie Hall y resultó ser un show en vivo sin precedentes en la historia de la música.

El espectáculo, además de ofrecer la oportunidad de apreciar la gran pieza musical compuesta por Tan Dun; fue también una verdadera experiencia sensorial, ya que cada pieza sonora estuvo acompañada por increíbles videos y proyecciones multimedia. Como si esto fuera poco, en el programa musical se incluyeron también obras de Mozart, Bach y Brahms, entre otros grandes compositores.

Podría decirse con argumento de sobra, que ésta es la consumación de la globalización de la música. No en vano pronunció estas palabras Tilson Thomas, director de la orquesta, poco después de haber terminado el concierto: “Es el mundo en tiempo real, el mundo en línea y una experiencia para conocer esta gran red que nos une. Para mí y todos nosotros, esto ha sido la cumbre de la música clásica".

Mariano Lugari.

Música para idiotas.

2009-03-08T19:32:00.007-05:00

Así es.

El Wolman vuelve y vuelve con una joya que encontré el otro día navegando en Internet. Nada más y nada menos que la lista que relaciona los grupos o compositores de música, con los puntajes del SAT (examen gringo para entrar a la universidad).

El gráfico lo dice todo:

Ahí les dejo una canción para sacar buen puntaje, si tienen algún examen próximamente.

Mariano Lugari.

Rock al parque, más de una semana después

2008-11-13T01:41:00.006-05:00

(queridos lectores: se trata de un artículo largo como pocos, espero sepan perdonar la falta de brevedad, pero en realidad traté de ser conciso pues se trata del resumen del evento completo. y dice...)

Ya ha pasado más de una semana desde rock al parque. Ya mis tenis están limpios de nuevo, mi ropa seca, pero mi memoria sigue intacta. Este es un resumen de lo que vi en Rock al parque 2008.

A pesar del inclemente azote de Dios vengador, que al parecer conspiró con el Opus Dei y algunos elementos del partido de la U para acabar con el festival (curiosamente esto mismo pasa cada año desde que lo hacen en noviembre), muchos asistimos a nuestra cita anual en el Simón Bolívar, una cita con la música, con la lluvia, con las mismas caras conocidas, con el barro y la comida fea y cara (aunque el chorizo con arepa este año estuvo fabuloso).

El sábado 1 de noviembre no asistí, debido a compromisos previos, y me quedé con la curiosidad de ver muchas cosas. El domingo, luego de haber pasado el aguacero novembrino que es regla en Rock al Parque, me dirigí al parque, sin saber bien qué había sido de la programación y llegué justo para Gondwana, así que quiero comenzar por lo que no me gustó o en general no me gusta.

Han de saber de antemano que lo mío definitivamente no es el reggae, pero es una cuestión de temperamentos. De hecho, me va mucho mejor con géneros derivados de éste, como el dub o el dancehall. No por eso quiere decir que no sea capaz de reconocer una buena banda de reggae cuando la veo. Gondwana me pareció un grupo repetitivo, al que le pesan los años y años de oír incesantemente Bob Marley y el consumo concupiscente de marihuana, que no tiene nada muy innovador para enganchar al oyente escéptico, como yo, y tampoco cuenta con una instrumentación lo suficientemente compleja para lograr resultados interesantes en su comunión con el mundo. Sin embargo, algo bueno han de hacer, porque todo el mundo estaba encantado. Yo de verdad no encontré un solo ritmo que me hiciera bailar de corazón, y es exactamente lo mismo que encuentro en la música de Dr. Krápula.

La banda bogotana Dr. Krápula es un viejo conocido. Llevan tocando en Rock al parque casi tanto como yo llevo yendo y llevan haciendo casi exactamente lo mismo todo este tiempo. Empezaron siendo una banda de ska, y todavía conservan algunas cosas de ese género, pero en aras de alcanzar el curubito del reconocimiento nacional y continental han optado por añadir sonidos nuevos, como el barra brava en donde cantan como aficionados del fútbol en canciones como “La fuerza del amor” o “El pibe de mi barrio”. Lo lograron, y de nuevo las multitudes estuvieron dichosas, finalmente Dr. Krápula es una banda que nace del barrio, son vecinos de Rock al Parque y se han ganado a pulso el reconocimiento y el cariño de la afición que tienen, que es mucha. Yo por mi parte pienso que son un bodrio, pero eso es problema mío, que nunca creo que la mayoría tenga la razón. Lejos de los gustos musicales y de todo lo que yo pueda despotricar sobre los grupos que poco innovan, hay un sinsabor que me queda de todo esto: ¿es esta la única izquierda que nos queda? No tienen un discurso tan inconsistente como el de Amós Piñeros, voz líder de Ultrageno, pero se desgastan en pelear contra cada detalle que no les parece. Supongo que esto es material de otro artículo.

Una amiga mía del alma dijo muy sabiamente que las mejores canciones de reggae que había oído pertenecían a bandas que no hacían solamente este tipo de música, y los ejemplos son muchos. Sin ir más lejos, Sargento García, un grupo francés con espíritu sudaca (como tantos franceses) es una banda que mezcla salsa y reggae. Con ellos, como siguiendo una tanda por géneros, empiezo a hablar de lo que me gustó. Sin ser mi grupo favorito, ni siquiera un top cien, este colectivo de músicos reconoce la importancia de la fusión, cantan con todo desparpajo, vestidos como si vinieran a Cartagena y de manera muy amistosa. Tienen canciones geniales, ritmos de salsa deliciosos y buenos sets de vientos, y cada tanto sueltan un reggae bien hecho, que puede no matarme, pero me sorprende, y con eso es suficiente.

Por esa misma línea viene la Kinky Beat, la otra banda de la Europa latina que nos visitó este año. Son una banda que hace ska, sobre todo, pero lo combinan con muchas cosas, algunos accesos de rap ejecutados por su voz principal, una española de voz gruesa y fuerte, algunos devaneos hacia la patchanka de Mano Negra y ese sonido tan característico de Barcelona, que reside en grupos de todo tipo, desde la Cabra Mecánica hasta Ojos de Brujo, una facilidad hacia la rumba que el sonido de esa ciudad tiene y es inimitable. Me parece un grupo sólido y fiestero, que no se queda con un solo sonido y vale la pena tener en cuenta.

De las mejores cosas que vi fue Austin TV, en la tarde del lunes. Los conocía de hace poco, pero nunca les había puesto realmente atención. Pude verlos en la fiesta en la noche del domingo y me encantaron. El cantante habla de más a ratos, pero tienen una propuesta como no se veía hace mucho tiempo en el festival. Son muy jóvenes, y eso solo puede dejarme a la espera de mejores cosas por venir, lo que es muy bueno, porque de verdad son un muy buen grupo. Tienen un sonido que combina todo tipo de influencias, desde Sigur Ros hasta toda la movida de Monterrey. No cantan, pero el espectáculo que dan es suficiente, saltando por el escenario, o saliendo a compartir con el público, que quedó enamorado de ellos por sus ritmos fuertes, las guitarras distorsionadas, los excelentes atuendos con máscaras (a ninguno se le ve la cara) y en general, por lo refrescante de este tipo de novedades en la tarima, sobre todo si se trata de actuaciones tan generosas y comprometidas como las de Austin TV. Excelente contratación.

El domingo cerraron dos bandas de mi entero agrado. Babasónicos es un grupo del que soy aficionado desde que tengo 12 años, cuando oí su canción “Malón” por el tan extrañado MTV Latino de los noventas. Desde ese momento siempre han sido para mí el mejor grupo de rock latinoamericano, siempre capaces de sorprenderme y cambiar, en cualquiera de sus etapas. Tienen canciones que parecen sacadas de los archivos apócrifos de Palito Ortega o Leonardo Favio y tienen otras que son rigurosamente rock. No se niegan a ningún ritmo (este año cerraron con su canción “El ídolo” que es absolutamente country) pero tienen un sonido inconfundible. Es además una banda que me trae recuerdos de amigos del alma y niñas que quiero mucho, una de las cuales me acompañó a verlos, como era deber y rigor. Dicho todo esto, estuvo mejor la presentación del 2004. Tocaron menos canciones del Jessico, y muy pocas de su último álbum. Eso sí, cantaron “Patinador Sagrado” del Trance Zomba (1994) a dúo entre cantante y percusionista (que si no estoy mal son hermanos) de la manera en que la tocaron en el unplugged que hace años hicieron para el mismo MTV que me los presentó. Ese fue un excelente detalle y aunque no fuera el mejor concierto que les he visto, no deja de ser una muy buena experiencia ir a verlos tocar, porque son una gran banda.

Sobre Black Rebel Motorcycle Club ya hablé en un artículo dedicado solamente a ellos, pero debo repetir que me gustó como pocas bandas me han gustado en todos estos años, que concuerdo con José Gandour (www.zonagirante.com) en que es buena idea seguir explorando ese tipo de grupos, pero sobre todo debo resaltar algo que me encantó: no sacaron la bandera de Colombia y se los agradezco desde el fondo de mi alma. En estos años de insulso pero fanático patriotismo es refrescante ver a un grupo extranjero que no saque la bendita bandera y diga que nuestro país es lo mejor; de hecho me parece más respetuoso cuando vienen a hacer lo suyo y lo hacen bien, sin oír las idioteces que seguramente les dicen los productores, managers y organizadores antes de salir a cada concierto en cada país al que van, desde New Hampshire hasta Etiopía (si bien nuestro país debe ser top 5 en lagartería).

Bloc Party en cambio sí la sacó, pero es un detalle menor en comparación con el concierto que nos dieron en la noche del lunes. Si existe una evolución notable dentro del gusto del público de Rock al Parque es que se puedan traer bandas de este talante, en el borde entre el Punk, el New Wave y el pop, sin que todos estén pidiendo a gritos “Tenebrarum”, legendaria banda de métal que nunca oí, pero siempre veía en el cartel (¿Qué habrá sido de ellos?).

Hay muchas cosas que me gustaron dentro de la presentación de Bloc Party. La primera, su cantante, y la forma en que cantaba cada canción, desde el alma, muchas veces abrazando la guitarra y dando pequeños brincos. Su performance es completamente sincera y es capaz de enganchar al más escéptico con esa voz que une el pregón rápido del punk y el new wave con algo de lamentos de blues, herramienta que saben usar a la perfección. La otra cosa son las secuencias que usan, muy sencillas y perfectamente apropiadas. Las canciones en general son buenas y hay un par que son excelentes, valió la pena perfectamente haberlos traído.

En una canción tuvieron un comienzo en falso. Kele Okereke, el vocalista, paró en seco y dijo: “creo que Bogotá se merece una guitarra bien afinada”. Pidió una nueva, y volvieron a empezar, dueños de todo nuestro cariño. Creo que este episodio es el más apropiado para cerrar mi reseña; Bogotá no solo se merece una guitarra bien afinada, se merece mil. Rock al parque debería empezar desde ya a construir una cultura del rock bien consolidada, subir los estándares de exigencia, tomar parte en la evolución del rock colombiano. Esta edición me gustó, pero porque yo no era una banda invitada, ni nada parecido, menos aún una que haya ganado la convocatoria. Hay problemas para solucionar, pero no por eso Rock al Parque ha dejado de ser mi fin de semana favorito (exceptuando tal vez mi cumpleaños).

Todas las fotos de este artículo las extraje sin permiso de www.rockalparque.gov.co

Santiago Rivas

Black Rebel Motorcycle Club

2008-11-03T10:27:00.004-05:00

I fell in love with the sweet sensation
I gave my heart to a simple chord
I gave my soul to a new religion
Whatever happened to you?
Whatever happened to our rock'n'roll?
Whatever happened to my rock'n'roll?

Hace unos años conocí a Black Rebel Motorcycle Club, y no logro cansarme de oírlos. Cuando supe que venían para Rock al Parque pegué un brinco de la emoción, porque es un grupo que no mucha gente conoce aún en nuestro país y nunca aspiraba a verlos en vivo, pero así son las cosas y me preparé concienzudamente para ir a su encuentro. Aún así, no sabía qué esperar cuando por fin los anunciaron en la tarima del Simón Bolívar.

Gracias a la reciente aparición de Vh1 en nuestras vidas ahora el rock es como una especie de religión. No importa qué tan aburrida sea tu vida, o qué tan malo sea tu grupo, lo importante es rockear, sin que importe cómo lo haces: a veces es la ropa, a veces la actitud, incluso la capacidad de pararte a hacer el oso. Las menos de las veces es la música, si bien se supone que Juanes es rock y Maná también. Anoche efectivamente pusieron a prueba nuestra fe, pues tuvimos que esperar bajo un aguacero tremendo a que por fin nos anunciaran la llegada de esta banda de California, y valió cada segundo de esa espera, porque creo que supieron darnos una lección de lo que significa rockear.

El planteamiento inicial de BRMC es simple: no se separan del rock clásico, todo lo contrario (usan amplificadores de tubos), pero todavía hay más. Sobre ese esquema básico montan una propuesta sonora imposible de definir (en Wikipedia los clasifican en 8 géneros distintos), mezclando elementos del rock puro de garaje con momentos sicodélicos, llegando incluso a ese sonido heroinómano post punk que a veces nos hace tan bien escuchar. Hay gente que desearía que todos los grupos de Rock al Parque fueran metal, o nuevo metal; hay gente que solamente baila cuando sabe quién canta, pero la gran mayoría de los que nos quedamos fuimos cautivados, así muchos no los hubieran oído en su vida.

¿Querían rock? ¿Querían ritmos contundentes y letras sencillas? ¿Querían pintas de rockero? ¿Querían actitud? Todo eso pasó frente a nuestros ojos anoche; se pararon a hacer lo suyo, sin mayores pretensiones, sin discursos y sin poses: solo rock, porque así se hace. Lo demás fue sencillo: quedar boquiabierto, saltar bajo la lluvia, mover la cabeza agitar los brazos y gritar, para devolverme a mi casa ronco, completamente empapado y completamente satisfecho, seguro de haber visto uno de los mejores conciertos que nos han dado y deseando en el fondo de mi alma que sigan trayendo grupos así para que nos sigan dando las lecciones que tanta falta nos hacen.

(Este artículo aparece también dentro del cubrimiento de Rock al Parque hecho por Zona Girante http://www.zonagirante.com/ )

Santiago Rivas

Reactable: enterevista con Sergi Jordá.

2008-10-15T09:33:00.004-05:00

Por: Mariano Lugari.
Fotogrfía: Chema LLanos.

¿Te has sentado con calma y solo a tocar al Reactable? Sí, pero mucho menos de lo que quisiera… lo cual es un contrasentido, porque creamos esto para hacer música, pero cada vez tenemos menos tiempo para hacerlo. Me gustaría poder practicar mucho más y dedicarle más horas, con calma, pero me temo que se me está haciendo muy difícil en este momento.

¿Y cuando te queda algún rato libre te pasas por la tabla o tampoco? Como te decía, ‘ratos libres’ no me quedan. De hecho, aquí en el Institut se ha vuelto un trabajo y cuando surgen conciertos, por decir para mañana, la cuestión se vuelve muy estresante. Cuando está claro que esta no es la situación ideal: a mí me gustaría sentarme y disfrutarla. Pero bueno, es el momento que estamos viviendo los del equipo y esperemos que no sea siempre así.

¿Por qué React? Saliendo un poco de lo típico… Bueno, por ‘reacción’. Tampoco nos lo pensamos mucho. De hecho su objetivo no era que fuera mundialmente famosa… a veces les pones nombres a las cosas como les pones nombre a tu perro. Tampoco fue muy trascendente la elección del nombre, llevó 1 minuto y fue una combinación muy obvia: reaction, table, reactable…

El mundo es muy grande ¿será que otro también inventó una Reactable y no le fue tan bien? Bueno, mesas interactivas hay desde hace unos años, incluso que hacen música… por ejemplo, en 2001 se presentó una tabla para mezclar que se llama Audiopad, hecha en el MediaLab del MIT de Boston. Esa es la muestra de que cualquier cosa que surge, tiene un pasado y unas influencias. Las nuestras vinieron de muchas partes, incluso del Audiopad, pero todos estos inventos van ligados al mundo científico y de la investigación y como suele ser un medio un poco cerrado, este tipo de información suele conocerse por diferentes medios: conferencias, artículos, etc. Así que no es que sea una cuestión de luchas, estas cosas suceden porque tienen que suceder y en lugares diferentes... lo que sí es cierto, es que hemos tenido más eco que las otras, incluso solo, por el mero hecho de que esta es más atractiva que las otras.

También que sea más bonita visualmente ¿no? La idea del diseño inicial tampoco fue hacerla para que fuera bonita, sino para que fuera útil: todo lo que se ve es información esencial para el que la está tocando. En este sentido, la Reactable es más parecida a la cabina de un avión que a un cuadro. El modelo está más enfocado a lo práctico que a lo artístico. Y fue con esta idea que la desarrollamos, ya que si vas a hacerlo, pues hazlo bien y hazlo bonito, no?

¿Y para este proceso no intervinieron comunicadores o diseñadores? No, en el equipo no hay diseñadores, de hecho, en el equipo somos cuatro y ninguno es diseñador. Lo curioso del caso, es que este año hemos ganado dos premios de diseño, pero ninguno es diseñador.

Y hablando de premios, ¿cómo fue el tema del Golden Nica en el festival ARS de Austria? El Golden Nica es un premio muy importante… es como el premio más importante, entonces después te preguntas ‘¿y ahora qué?’. Esto nos hizo mucha ilusión en su momento, el problema es que estos premios se comunican con mucha antelación y nosotros lo sabíamos cuatro ó cinco meses antes y no podíamos decir nada. Lo cierto es que cuando nos lo entregaron ahora en septiembre, nos seguía haciendo ilusión, pero ya lo habíamos digerido. Pero está claro que esto fue y es muy importante para nosotros.

Bueno y finalmente, el tema Björk y acá sí entramos de lleno en lo típico... Bueno, esto sí que lo hemos explicado varias veces, pero bueno, acá va una vez más. Lo de Björk fue una sorpresa. A ver, la primera presentación de la tabla la hicimos en septiembre de 2005 y en ese momento todo funcionaba ‘normal’, sin muchos altibajos. En noviembre de 2006 colgamos un par de videos en YouTube y ahí la cosa se disparó: empezamos a salir en revistas de Estados Unidos y para enero, ya teníamos miles de visitas. Pues una de esas visitas fue Michel Gondry, que le dijo a Björk que viera el proyecto. Ella nos escribió un mail, nos encontramos en París, un mes antes de su gira, vio la mesa, la estuvo probando en un par de horas y se la quiso llevar. El problema era que la tabla no estaba preparada para una gira, así que tuvimos tres semanas para ajustarla y adaptarla y fue muy bien. Y a partir de que ella la adquiriera, las cosas se dispararon aún más. De hecho, de momento, hay otros músicos que quieren la tabla, pero por ahora ahí les dejo eso.

Pink Martini.

2008-09-19T12:09:00.012-05:00

En una de estas largas noches, en esta ciudad de condes anacrónicos y viajeros errantes, estaba oyendo el iPod (que no lo mismo que escuchar), cuando depronto empezó a sonar 'Sympathique'... ya saben: 'je ne veux pas travailler, je veux pas déjeuner..." esa canción que cantan las niñas lindas cuando creen que el francés es un idioma bonito... esa.

Me acordé de las múltiples veces que la he cantado, de las múltiples personas que me recuerda y de los múltilpes comerciales donde la han puesto de fondo y pensé que podría ser de alguien famoso. Por supuesto, como los referentes de cantantes en francés son tan pocos, pensé en Edith Piaf, pero inmediatamente me corregí: Edith Piaf no cantaba ese tipo de canciones. Entonces busqué por el autor de la canción y me encontré con una muy buena sorpresa: Pink Martini.

Esta banda formada en Oregon... ya saben: ese estado de Estados Unidos que solo es conocido porque queda arriba de California... ese. Pues esta banda, ha sido un éxito desde su creación en 1994. No solo porque ha sabido romper con esos cánones de música comercial tan comunes en Estados Unidos, sino porque se ha atrevido a volver a ritmos musicales más tradicionales como el jazz, el bolero o la samba.

Aparte de todo lo anterior, esta 'pequeña orquesta' como se autodenominan, es una multitud de intrumentos en los que se incluyen los vientos e instrumentos de cuerda distintos a la guitarra o el bajo, encontrando así violas, violines, entre otros. Eso sin mencionar que cantan en otros idiomas distintos al inglés, como francés, español y portugués.

Por otro lado, aunque algunas canciones suelen ser un poco sosas y los ritmos ya muy escuchados, tienen un talento que es innegable y una cantante que aunque tiene una voz realmente sorprendente, esta no tiene nada que ver con el físico, lo cual se le abona.

Por el momento esto: una muestra más de que la música tiene múltiples variantes y esta es una de ellas. Les dejo el link de la página por si los quieren conocer y una muestra del talento de esta gente, en la nueva sección del blog: 'Canción post'. Esta vez con 'Bolero'... una versión en bolero, del 'Bolero' de Ravel (Maurice Ravel).

Pink Martini, en: http://www.pinkmartini.com

Mariano Lugari.

Daniel Melingo: un nuevo descubrimiento viejo

2008-09-11T03:40:00.004-05:00

Para los nacidos más allá de las fronteras que delimitan a las naciones de Argentina y Uruguay nos es muy difícil, por mucho que sepamos, imaginarnos el tango nuevo de una manera que no sea mezclado con ritmos electrónicos. Hago esta aclaración porque es muy posible que los más afiebrados por estos lares se hayan enamorado de Adriana Varela (como efectivamente yo lo estoy), que canta como pocas personas esta música sentimental y entregada del sur del continente; que canta canciones nuevas, pero no compuestas por ella. El tango y la milonga nos pueden parecer muchas veces ritmos viejos y tradicionales, que no poseen compositores vigentes, como nos pasa a nosotros con ritmos como el porro o el bambuco, tal vez precisamente por eso, y porque los compositores nuevos de nuestros ritmos vigentes, como el vallenato y la cumbia, no logran unos niveles de calidad ni siquiera regulares.

Hace ya rato me pasaron una canción de un señor Daniel Melingo llamada “Narigón (dub)” la canción es una milonga que habla de un personaje, un malevo, que según entiendo tenía un gusto muy marcado por el consumo de cocaína. La canción era buenísima, pero uno tiende a dejar pasar muchas cosas que están tocándole a la puerta hasta el momento en que resulta realmente propicio dejarlas pasar. Así, duré más de un año en comprender (no es algo raro para nadie) que no existía solamente una canción de este señor: seguramente existía un disco, por lo menos. Ya habiendo oído por ahí algunas canciones más, me decidí hace muy poco a descargar todo lo que me fuera posible de Daniel Melingo.

Su carrera no comenzó como un tanguero: hizo parte de los Abuelos de la nada, formó grupos como Los Twist y Lions in Love, y tocó con Charly García y con otros grupos. Su primer disco como solista tiende más hacia el reggae, y por fin se dedicó a experimentar con el tango en 1998.

Me resulta increíble pensar ahora en todo el tiempo que dejé pasar antes de hacerme con la música de este compositor y cantante argentino, al que no en vano llaman maestro. Es un compositor que logra el perfecto equilibrio entre los elementos originales del tango y la milonga y un espíritu netamente contemporáneo. Canta en lunfardo (el dialecto propio de las villas y los arrabales porteños) como si fuera su lengua natal. Acomoda las palabras con mucho ingenio, y hace canciones divertidísimas sobre la vida del barrio bajo, sin caer en el patetismo de muchas cumbias villeras y conservando el romanticismo que reside en el corazón del Buenos Aires de arrabal. Habla, como en cualquier tango clásico, de la soledad, el amor y la violencia, de los cuchillos y los malevos; es ante todo un compositor inteligente. Se nota desde el principio que conoce el tango a fondo y se nota también que es un músico de conservatorio (efectivamente lo es).

La mayoría de sus canciones apenas pasan de los dos minutos, y existe en ellas el humor que solo se encuentra en el voz a voz del pueblo, como en los viejos tiempos, en el vallenato original de nuestra costa colombiana o en los versitos bogotanos tradicionales. Es tango que muchas veces habla del espíritu mismo del tango, y de principio a fin es un placer oírle un disco entero.

El tango no es nada nuevo, pero Melingo es siempre novedoso. A medida que lo escucho me sorprendo más y más con la riqueza de sus composiciones, y me abruma que haya existido ya alguien capaz de hacer tangos tan nuevos y tan buenos a la manera de los clásicos. No quiero decir con esto que no me gusten los colectivos de tango electrónico, como el Gotan Project, Bajofondo o Libertango, pero es siempre refrescante encontrarse con músicos de este porte. Por eso este maestro argentino contemporáneo es mi recomendado, recomendadísimo, imperdible.

Kortatu, Euskal Herria.

2008-08-24T18:15:00.004-05:00

El tema del País Vasco (Euskal Herria) es más complicado de lo que parece. Unos dicen que hace parte de España, otros que no, que solo es parte del Estado, otros que tampoco... en fin, resulta que el tema nacionalista vasco es tal, que en medio de tanto conflicto, han nacido grandes representantes de la música 'peninsular', como es el caso de Kortatu.

El tema nacionalista 'abertzale' fue una de las máximas de este grupo que fue pionero en introducir el punk y el ska en el territorio. De hecho, sus canciones eran cantadas en ambos idiomas, castellano y euskera, con la idea de honrar la identidad vasca y de lograr una mayor acogida en el Euskal Herria. La historia del grupo viene precisamente del nombre del pueblo donde se crió un etarra que tenía el alias de 'Korta', por el caserío donde había nacido: Kortatu.

El caso, en mis eternas navegadas por Internet, me di cuenta que Kortatu no solo fue un grupo muy importante para las juventudes ochenteras españolas (como Negu Gorriak o La Polla Records), sino que además lo fue para el País Vasco entero. Sus letras tenían los temas de costumbre: la lucha antiburguesa, el deterioro de la sociedad y por supuesto, temas relacionados con Euskal Herria y la independencia.

Finalmente logré mi objetivo: encontrar una canción representativa de la lucha vasca... y me encontré con 'Sarri Sarri'. Una canción en euskera, que hace referencia a la fuga de dos etarras, alias 'Sarri' y alias 'Piti', que se escaparon en los altavoces de un cantautor vasco, durante una presentación en una carcel a lo Johnny Cash.

'Sarri Sarri', basada en la canción reaggae 'Chatty Chatty' del grupo Toots & the Maytals, fue un éxito total, rememorando la hazaña de los etarras y burlándose de las autoridades que no fueron capaces de darse cuenta del hecho. Precisamente, la idea de este post, es mostrarles el talento de Kortatu y hacer rememoranza de Toots & the Maytals. Y aunque ya no existan, por el momento y hasta siempre: ¡gora kortatu!

Mariano Lugari.

Sarri Sarri - Kortatu

Chatty Chatty - Toots & the Maytals

LA RECONTRA, o la fiesta busca su hogar

2008-08-01T02:49:00.004-05:00

Es muy poca la música que oímos, pese a que las distancias parecen no existir. Es tanto el ruido que en realidad nadie pone a tención, son tan pocos los que tienen el control que la mayoría de las manifestaciones musicales están todas abarcadas en la despectiva denominación “World music”. Es una especie de miedo a la novedad lo que nos impulsa a quedarnos con lo que ya conocemos, y en un mundo en el que cada vez hay más música resulta triste que de hecho es cada vez menos lo que estamos dispuestos a oír, o en este caso a bailar.

Con Javier Beltrán, un gran amigo mío, tenemos montada una fiesta que funcionó durante tres meses en un bar del norte de Bogotá. Se llama LA RECONTRA aunque ha tenido otros nombres antes. No ponemos en esta fiesta nada que se relacione con el mercado “Anglo”, ni techno, ni rock ni pop. Usamos solamente música que me he empecinado en llamar “de la frontera”, aunque la fiesta a primera vista sea una fiesta gitana. Hay muchas ciudades del mundo en las que se realizan este tipo de fiestas, como en Ámsterdam o Buenos Aires, con la fiesta “Bubamara”.

Los géneros que suenan son muchos y muy diversos. Desde el funk y el Hip Hop no comerciales de grupos como Ozomatli y Jurassic 5 o ritmos latinoamericanos como los de Plastilina Mosh, Illya Kuryaki and The Valderramas e incluso Lucho Bermúdez o Pastor López, hasta música de los Balcanes (Gogol Bordello, Magnifico, Kusturica, Balkan Beat Box) o grupos de la nueva rumba española, como Los Delinqüentes, Ojos de Brujo o El Bicho, por nombrar solamente algunos.

Puedo dar cuenta del éxito que hemos tenido, pues la gente que va se sube a bailar en la tarima, salta toda la noche y al final sale eufórica. No es tanto el mérito nuestro porque la música se defiende sola, es música que sale desde las entrañas de la gente y de los pueblos, música que hace saltar y que está hecha para el desenfreno y la rumba. El gueto es siempre el escenario de las mejores fiestas, las manifestaciones más crudas y más honestas de la cultura universal. Como todos oyen los mismo y el resto del mundo se ha convertido en el gueto de los medios masivos, es mucha la música que existe que nos hace vibrar y nos llena de alegría, lo que necesitamos es asomarnos a oír lo que se está haciendo y ya está.

Sin embargo, el éxito monetario, debido al estrecho público que oye o disfruta de este tipo de música, es muy moderado. Toda esta disertación apunta a lo siguiente: el otro día llamé a uno de los dueños del bar a preguntar por la fecha de la siguiente fiesta (que queremos hacer mensualmente) y me dijo (palabras textuales): “Ahí le dejé un Jueves para su fiesta bohemia”. Pese a que entendemos la necesidad de los bares de subsistir con fiestas que les reporten ganancias sustanciales, no pudimos evitar sentirnos ofendidos con una designación tan lejana al espíritu de nuestra fiesta. Bohemio es un término despectivo que normalmente se usa para denominar a gente de izquierda que oye Silvio Rodríguez y lee poemas de Benedetti. Tanto Javier como yo hemos dejado atrás hace mucho esos días de enardecida cursilería y el mal genio en los dos no se hizo esperar.

Por lo tanto, estamos huérfanos. Si alguno de ustedes sabe de un bar o una discoteca que quiera acoger nuestra propuesta, nos gustaría que nos lo hicieran saber a través de este blog, desde el que imploramos un espacio para no perder lo que ya habíamos logrado, un lugar en el que podamos hacer una fiesta realmente diferente en una ciudad que poco propone a la hora de rumbear. Entonces por favor ayúdennos, envíen este post a sus contactos, o cuéntenles a sus amigos, para ver si existe una forma de volver a hacer LA RECONTRA. Este es en realidad un aviso clasificado de seis párrafos.

Santiago Rivas

Muse (Bogotá, Julio 20 de 2008)

2008-08-01T01:59:00.005-05:00

“During the struggle

They will pull us down
Please, please
Let’s use this chance
To turn things around
And tonight
We can truly say
Together we're invincible”

Este es un artículo sobre las palabras. No puede ser casualidad que Muse llegara a Bogotá justo este año, justo en el día en que celebramos nuestra Declaración de Independencia. Es un artículo sobre las palabras porque este es un país en que muchas de ellas se han convertido en armas mortales, un país en el que no existe la comunicación, ni la memoria, el país del blanco y el negro, de los absolutos y los oídos cerrados. No puede ser una coincidencia que hayamos ido los que fuimos a oír un grupo que tan elocuentemente habla de la destrucción, de cambio y de la responsabilidad que todos tenemos frente a la construcción de un mundo diferente, la necesidad de crear una nueva y mejorada realidad.

Hablamos muy a menudo de la patria y del progreso, de los buenos y los malos. Marchamos con el grito en el cuello para reclamar lo que creemos correcto, pero somos incapaces de ver lo que realmente bulle por debajo de los sistemas que nos gobiernan. Somos autómatas que gritan a favor de una bondad que desconocemos.

Es poco lo que puedo decir realmente sobre Muse que no se haya dicho ya, pero voy a intentarlo. Es una banda apocalíptica en todo el sentido de la palabra, con riffs de guitarra grandilocuentes, episodios de piano limpísimos y de una belleza increíble y baterías que dentro de la calidad de una buena percusión incluyen a veces redobles de marcha.

Los empresarios, sin embargo, pensaron que se trataba de una banda de brit pop y pusieron como telonero a una banda colombiana de pop británico (así como lo lee, amigo contribuyente). The Hall Effect vio la luz muy lejos del barrio Londres, al noroccidente de Bogotá, y su popularidad crece, como pasa con todo aquello que es políticamente correcto. Al igual que la mayoría de los compositores de brit pop que nacieron efectivamente en las islas británicas, no hacen música nada novedosa; la fórmula de hacer rock con el Happy Birthday, como lo dice muy acertadamente mi amigo Manuel. Por eso solo se llevan este desafortunado párrafo.

Cuando uso el término “apocalíptica” (acuñado en este caso por Ana, otra gran amiga mía) no me refiero a que nos llamen a arrepentirnos porque se acerca el fin de los tiempos y menos aún a sentarnos a llorar. Hablan de renovación y de revolución, como cantándole al mundo entero. Son capaces de evocar la tristeza más profunda y la ira más encendida, incluso la alegría y el amor más brillantes. Hacen el mejor cover que yo haya oído de una canción de Nina Simone (Feeling good) y sus letras están escritas para buscar nuestras fibras más sensibles, con una claridad que existe en pocos compositores modernos, que se escapa a las fórmulas convencionales. Este es un artículo sobre las palabras porque decimos oír pero no lo hacemos, porque obviamos el mensaje para quedarnos con nuestros propios argumentos y cantar las mismas canciones que recordamos pero no entendemos.

Es fácil oír Muse. Yo estoy convencido de que a todo el mundo le gusta Wagner, porque no existe nada que más cale que el dramatismo de una buena pieza épica, y esta banda usa esta fórmula a la perfección. Y aún así es difícil comprenderlos. Es un rock sentido como el que pocas veces encontramos en estos días y está compuesto sin dejar un solo pedazo al azar, lo que se puede evidenciar perfectamente viéndolos en vivo. Fueron capaces de emocionarme y hacerme gritar hasta la ronquera, nos dejaron a mí y a mis amigos perplejos, sintiendo la necesidad urgente de un trago, para poder sentarnos a comentar lo que habíamos visto, el estremecimiento de todos no podía ser coincidencia.

Este es un artículo sobre las palabras porque Muse habla de la libertad y del cambio, del poder que tenemos para crear nuestra propia realidad y pedir por nuestros derechos. Habían marchado las multitudes esa mañana exigiendo una causa que pese a su justicia, oculta en muchos niveles los hilos de horror e ignorancia que atan y manejan a nuestro país. Y mientras los oía cantar Knights of Cydonia o Invincible (de donde sale la cita de arriba), viendo desfilar por la pantalla de atrás a tantos que durante la historia caminaron en pro de la libertad (las marchas en Soweto, las manifestaciones de Mayo del 68), no pude evitar sentir tristeza por el vacío enorme en el que esas palabras resonaron: el vacío de un país, que al igual que el mundo entero ha olvidado el verdadero significado de las palabras que antes impulsaron cambios fundamentales pero que ahora parecen ser un eslogan más del statu quo y de los sistemas que se nutren con nuestro silencio.

La imagen de Muse en vivo en Bogotá fue tomada de la dirección de flickr de Juliana, una muy querida amiga mía que además tiene cámara (no de aire como los Nike o los pump): http://flickr.com/photos/lafalsaalicia/

Por último quiero pedir disculpas a mis lectores, no solo por lo largo de este artículo, también por mi ausencia prolongadísima en las líneas de este blog. Espero no haberlos perdido a ninguno de ustedes y espero también tener la cabeza para volver pronto a escribir acá, no en seis meses, como en este caso. Valga este artículo para que el silencio en El Wolman también se rompa, gracias a todos por su paciencia.

Santiago Rivas

Edith Piaf

2008-01-29T00:00:00.001-05:00

La primera vez que oí a Edith Piaf fue en mi casa, porque mi madre siempre ha sido hincha furibunda de esta cantante francesa. Siempre he tenido la imagen de la Piaf muy cerca a la de mi mamá, identificándola con ese romanticismo melancólico que de inmediato aparece cuando se pone un disco de ella, y de esta manera empezó mi relación con sus canciones. Una vez vencido el sesgo mental que nos impide disfrutar la música de nuestros mayores, pasada la tardía adolescencia, me puse a oír seriamente ese sonido tan triste y nostálgico que sin haber pisado París me lo mostraba entero, tal como lo había visto en los libros y en la TV, con canciones cuyas letras nada me decían, pues no sabía gota de francés (en este momento sé un poco más y uno encuentra las traducciones de las letras en internet).

Siempre supe (basta con oírla cantar) que Edith Piaf tuvo una vida difícil. En su música, al igual que en el tango, se mezclan una elegancia incomparable con el espíritu de los barrios bajos, la noche, el delirio y la dignidad de quien conoce la calle como a su propia mano. Es música de las entrañas y para las entrañas, poseedora de una tristeza incomparable y una fuerza avasalladora. Música triste, tristísima, que no es obra de una sola persona pero que se condensa en una intérprete como ninguna otra, capaz desde el principio de hacerme temblar.

Es imposible separar la música de la Piaf de su vida, tormentosa e intensa; imposible separarla de su apariencia de ángel famélico y decadente del romanticismo. Imposible separarla de Francia o de la embriaguez triste de las últimas horas de la noche. Sostiene las palabras como si solo tuviera pulmones adentro y hace que una banda de music hall suene como un grupito de cabaret porque lleva el barrio en la voz. Normalmente se la identifica con la bohemia, pero recomiendo a quienes aborrezcan tal denominación que hagan caso omiso de ella, de verdad vale la pena acercarse a la mejor cantante francesa de todos los tiempos.

La idea y el impulso de escribir sobre Edith Piaf me nació anoche. Después de meses de no saber qué escribir y verme en serias dificultades para publicar algo en este blog, me fui a ver La Môme (para nosotros La Vie en Rose), película que cuenta de forma magnífica la vida de esta cantante nacida en el bajo fondo, usando como eje dos temas que me apasionan: la música y la memoria. Como ya lo dije, siempre supe que su vida había sido difícil, pero nunca supe hasta qué punto. Anoche, mientras pasaban una a una las imágenes de su vida me estremecí en mi asiento, rogando para que me dejaran solo y rogando con más fuerza que la música nunca parara. Hay que vérsela en cine para sentir realmente el sacudón de esa voz y esa música en un surround potente. Hice de tripas corazón y resistí el temblor, junto al resto de la gente, que en su mayoría guardó un largísimo silencio una vez se acabó la película, todos sentados mirando los créditos.

Nada pasa porque sí. La música siempre llega en nuestro auxilio cuando menos la esperamos, y esta vez ha sido Edith Piaf quien llegó a poner la banda sonora a días muy extraños. A lo largo de las dos horas largas que dura la película, con todas las canciones que sonaron y todas las que ya había oído, me reencontré con el poder verdadero y abrumador de la música y la memoria, que en la figura de esta cantante y su voz una vez más me erizaron la piel y me hicieron bajar la cabeza. Pero sobre todo, a través de la música pensé en mi mamá y sorprendido entendí muchas cosas sobre ella, esas imágenes que tal vez habiten en su cabeza, la forma como vive lo bueno y lo malo, la forma como entiende el amor. Y me sorprende descubrir a través de la música que estas cosas habitan tanto en mí, que la llevo oyendo desde hace horas y hasta ahora me tomo un receso, para escribir este artículo, que más que una reseña es un pequeño homenaje.

Santiago Rivas

Bonus Track: canciones para mi papá

2008-01-28T23:52:00.001-05:00

Continuando con este tono intimista y tristón que a veces manejo, quiero hacer otro pequeño homenaje. Esta vez he pensado una serie de canciones que quiero que mi papá oiga y le quiero regalar, muy seguramente lo haré. Creo seriamente que podrían gustarle, finalmente no hay nada como una banda sonora que nos acompañe siempre y nada mejor que compartir música, como la primera vez que nos acercamos a ver los acetatos de nuestros padres, entre la curiosidad, la risa y los serios abismos que separan nuestro gusto del de ellos. Claramente la canción Mi Viejo de Piero no va incluida en esta lista, pero en cambio hay algunas repetidas de listas de reproducción anteriores.

Como siempre, si han de querer alguna de estas canciones, espero que me manden un correo a elwalkman@gmail.com pidiéndome la que quieran y yo se las mandaré con mucho gusto. Esta es una playlist para todos, finalmente. Espero la disfruten.

1- Lovestain – José González
2- Joga – Björk
3- I Still haven’t found what I’m looking for – U2
4- Sing – Travis
5- Mayonaise – The Smashing Pumpkins
6- There is a Light that never goes out – The Smiths
7- Street Spirit (fade out) – Radiohead
8- Thursday’s Child – David Bowie
9- The Weeping song – Nick Cave & The Bad Seeds
10- Under the milky way – The Church
11- Running up that hill – Placebo (cover hecho a Kate Bush)
12- Stella Maris – Einstürzende Neubauten
13- Tonight will be fine – Teddy Thompson (cover hecho a Leonard Cohen)
14- Everything will flow – Suede
15- Draggin’ the line – R.E.M.
16- Hallelujah – Leonard Cohen
17- I’m gonna be (500 Miles) – The Proclaimers

Santiago Rivas

Gogol Bordello

2007-10-22T16:30:00.001-05:00

Por razones ajenas a mi entendimiento siempre he sentido fascinación por todo lo que tiene que ver con Europa oriental. La música de los eslavos es más que especial; trae consigo la guerra y la fiesta, el caos y la alegría, la alabanza y la blasfemia. Combina lo gitano con lo turco, lo cristiano y lo judío. No puede sernos ajena, si tenemos en cuenta que la historia de estos pueblos es igual a la de nuestra querida Latinoamérica, en donde vivimos siempre al lado de la magia, la disfuncionalidad y la belleza de lo desconocido, la permanente mezcla de razas y estilos.

Hoy quiero hablar de un grupo en especial. Nacido en el Lower East Side de Nueva York, Gogol Bordello es una banda de punk gitano compuesto principalmente por inmigrantes de Europa oriental, acompañados en su formación actual por un etiope, un ecuatoriano, un nativo de Florida, una tai-americana y una sino-escocesa (combinación de china y escocesa), lo que nos da una idea clara de lo insólito de su propuesta. Sin embargo, tratándose de un conjunto que se denomina gitano, no es de sorprenderse que exista una mezcla tan heterogénea, si bien la nación de los Rrom es la más extensa del mundo entero.

Oírlos constituye una experiencia que vale la pena de principio a fin. Es, sobre todo, una mezcla sumamente elocuente entre el sonido complejo y melódico del acordeón, el violín y la percusión gitana con el carácter trash propio del punk, guitarras distorsionadas y riffs sencillos. Concluye esta fusión la voz ronca y potente de Eugene Hütz, quien canta en varios idiomas (incluso en una misma canción), redondeando perfectamente el carácter de este fabuloso experimento, en el que aparecen ocasionalmente extractos de otras músicas, como en su canción “I would never wanna be young again”, en la que usan un arreglo de violín tomado de Schubert. (Sinfonía No. 8 “Inconclusa”).

Por último, es necesario resaltar el carácter de resistencia que existe en el espíritu de Gogol Bordello. No se trata del experimento esnobista de un productor, ni de otra pieza de lo que se suele llamar despectivamente “World music”. Se trata de gente seria, comprometida con la producción de su música y que participa en otros proyectos entre los que se encuentra una colaboración con Balkan Beat Box y el trabajo de Hütz como Dj. Son compositores de letras contundentes y divertidas, que van de una concepción fascinante del anarquismo, hasta letras que simplemente exponen una poética dictada por el caos y la euforia. Es música de vanguardia, esencialmente profana; ajena al estatismo y el aburrimiento, sumamente apropiada para estos días de tropipop, salsa de cama, baladas románticas carentes de sabor y revivals de los 80. Un recomendado absoluto.

Discografía

Voi-la-Intruder (1999)
Multi Kontra Culti vs. Irony (2002)
East Infection EP (2005)
Gipsy Punks: Underdog World Strike (2005)
Super Taranta! (2007)

Otros proyectos

Gogol Bordello vs. Tamir Muskat (2004). Colaboración entre Gogol Bordello y miembros de Balkan Beat Box, en la denominada J.U.F. (Jewish Ukranian Freundschaft)

www.gogolbordello.com

Santiago Rivas

En contra del "Bossa N' Stuff"

2007-09-25T02:47:00.000-05:00

Si hay un país que merezca mi respeto (y el del mundo en general) cuando se trata de su producción cultural es Brasil. En este país tan cercano como distante hemos visto nacer la música de personajes tan maravillosos como Gilberto Gil, Seu Jorge, João Gilberto, Astrud Gilberto, Sergio Mendes, Vinicius de Moraes, Wilson Simonal y un larguísimo etcétera. Sin embargo, existe de un tiempo para acá un nuevo capricho de los traficantes de “estilo” que atenta con hacer detestable un ritmo encantador como es el bossa nova.

A las versiones en saxofón y organeta hechas para emisoras como Melodía Estéreo y adefesios tales como las versiones de los Beatles en canto gregoriano se ha unido una serie de discos que presentan versiones de los grandes del rock, el pop e incluso el jazz cantadas por voces femeninas sobre una pista de bossa nova. Canciones que antes hicieron enloquecer a multitudes de jóvenes rebeldes aparecen en versiones aguadas y “soportables”, la nueva banda sonora para todo tipo de lounges, bares y ascensores.

Para todos aquellos que disfrutamos del rock y todos aquellos que apreciamos el bossa nova, resulta ofensivo que las canciones y ritmos que nos gustan se mezclen para hacer música para salas de espera. El rock nunca estuvo muerto, y sin embargo se ha buscado resucitarlo, adaptándolo al oído del adulto contemporáneo, que nunca entendió qué hay de “cool” en los Rolling Stones. Sin mayores ambages se creó esta receta que hace de la música un accesorio del más sofisticado esnobismo; un adorno más para nuestra cultura políticamente correcta y llena de estilo; música para toda ocasión.

Se salvan experimentos como el de la banda francesa Nouvelle Vague (nueva ola), que hace versiones en Bossa Nova (nueva ola) de canciones New wave (nueva ola). No solo las versiones son buenas sino que es ingenioso el juego de palabras. De ahí en adelante no resisto ver u oír un solo disco que tenga por delante el “bossa”, nueva bandera de la música “estilizada” que ambienta los consultorios y oficinas del mundo entero.

¿Qué sigue? No me sorprendería encontrarme próximamente un disco de Bossa N’ Floyd, o de Bossa N’ Sabbath. Tal vez vendría bien intentar un Bossa N’ Manson, Bossa N’ Goth o incluso ir más allá y dañar canciones de Bossa Nova clásico, con el Bossa N’ Bossa. Después no digan que no les advertí.

Estamos acostumbrándonos a tomar la vida sin riesgos ni compromisos. Yo sé que no es necesario adoptar un tono tan trascendental en cuanto a un simple experimento de las disqueras, pero no puedo evitar sentir que de nuevo se trata de esa compota detestable que nos dan día a día. Yo no tengo nada en contra de la mezcla de tendencias mientras el resultado de la mezcla sea original, divertido y contundente; en este caso, es más que evidente que el bossa nova, siendo un excelente tipo de música, ha sido convertido en una fórmula para crear eufemismos y versiones digeribles de lo que mucha gente antes consideraba demasiado pesado, incluso “satánico”; una nueva ola de música sin cafeína, sin azúcar y sin grasa. Sin sabor y sin vida.

Santiago Rivas

Pequeña Orquesta Reincidentes

2007-09-18T20:56:00.000-05:00

Hoy quiero hablar de un grupo argentino que demuestra que la música latinoamericana no está condenada a imitar modelos establecidos sino que, por el contrario, está diseñada para crear nuevas propuestas a partir de fusionar elementos muy diversos sin caer en el cliché, como tan a menudo pasa entre los músicos de nuestro continente. Esta banda argentina me llegó como de la nada, gracias a la reproducción aleatoria del ITunes en el computador de un amigo. Fue una epifanía instantánea; son muchas las cualidades de este grupo, que aún no es tan conocido como lo merece en su país natal, menos aún en nuestro país o en el mundo. Es la Pequeña Orquesta Reincidentes, mi recomendado de hoy.

El sonido de la Pequeña Orquesta combina muchos tipos de música que no se distinguen claramente, y no conozco a nadie que me haya podido describir exactamente qué tipo de música hacen. Entre el rock, los ritmos argentinos o del sur -como la milonga o el vals- hasta ritmos tomados de la música balcánica. Sus integrantes se presentan vestidos elegantemente y tocan instrumentos tan diversos como la guitarra eléctrica, el acordeón, la tuba y la mandolina. Alternan dos voces que con el tiempo uno aprende a distingiuir, entre una más rugosa (incluso oportunamente desafinada) y una más cálida, que se complementan perfectamente a medida que avanza un disco entero de ellos, experiencia que aconsejo a ojo cerrado.

Producen, tanto en sus canciones más movidas como en las más tristes, un sonido nostálgico y original, rico en sonidos, que ha evolucionado y madurado enormemente a través de cada uno de sus primeros 7 álbumes (el octavo no lo he podido conseguir, pero tiene pocas canciones originales y, en cambio, presenta covers y versiones en vivo). Sus canciones están llenas de giros y de momentos sin voz, que estos talentosos músicos saben aprovechar al máximo para imprimir más fuerza a sus letras llenas de imágenes de todo tipo; son fácilmente uno de los cinco grupos con mejores letras en castellano.

No es fácil de conseguir en internet, pero se logra. Pueden pedirme canciones de ellos a elwalkman@gmail.com.

Playlist Pequeña Orquesta Reincidentes

Estas son las mejores 20 canciones de este grupo hasta ahora, y caben en un disco quemado por ITunes, así que tanto mejor. Las pongo en orden cronológico.

1- Un cerebro más en tu copa
2- Más allá del mar
3- Blanco y Amarillo
4- 16 escalones
5- Raros peinados nuevos (cover hecho a Charly García)
6- El atajo
7- Desconsuelo
8- El portugués
9- Equipaje
10- El egoísta
11- Mi suerte
12- Tres deseos
13- Siete suelas
14- Liso
15- El vaivén
16- Sin dinero
17- Miedo a la oscuridad
18- Romance de suelas y suelos
19- El camión
20- Abrazame

(Mentí, se me quedan por fuera Sticks & Stones, Siete horas leyendo y Gallo rojo, gallo negro. Que cuente esta aclaración a manera de posdata.)

Discografía:

Tarde (1994)
Nuestros años felices (1996)
¿Qué sois ahora? (1999)
Pequeña Orquesta Reincidentes (2000)
Mi suerte (2001)
Miguita de Pan (2003)
Traje (2005)
Capricho (2007)

Fotos tomadas de su página de internet www.reincidentes.com.ar

Adriana Varela

2007-08-31T04:15:00.000-05:00

Por: Santiago Rivas.

Adriana Varela da pequeños brincos cuando canta, al final de algunas frases. No es -como puede sonar- un gesto ridículo. Son saltos de emoción, como si apenas pudiera contenerse, como si esos tangos que canta la sacudieran tanto como a los que faltos de aliento la veíamos interpretar una tras otra canciones que nos dejaron boquiabiertos. El tango es una música que depende en gran parte de la forma como es interpretada. Es, como la música popular, el producto de un sentimiento que cuando se mezcla con el virtuosismo se convierte en el sentir de todos los que la oyen. Eso ocurrió en la noche de este Jueves 30.

En el concierto llevado a cabo el 30 de Agosto en el teatro Jorge Eliécer Gaitán (Bogotá) conocí el verdadero estremecimiento, el significado del apelativo “arrozudo”. A medida que avanzaban las canciones sentí escalofríos y se me erizó la piel. La voz de Adriana Varela es especial, tan cálida como desgarradora y llega de inmediato a lo más hondo del cuerpo; canta con las entrañas, y su forma de hacerlo tiene lo mismo que la de Goyeneche; uno siente que ellos compusieron el tango que cantan, como si les hubiera tocado a ellos. Conocen bien lo que dicen y hacen las pausas como solo ellos saben, como le canta ella al “polaco”: “…tu voz que al tango lo emociona, cantando el punto y coma que nadie le cantó…”

Y así fueron las cosas esta noche, sin más que decir: músicos excelentes, excelentes canciones. Adriana Varela caló hondo y la gente (siempre la gente) gritó, pidió canciones, mandó saludes desde Medellín y aplaudió al embajador argentino que se paró a dar cátedra sobre tango, embriagado (seguro de alegría y de pena porteñas). Mientras tanto yo, en mi silla perplejo sudé, respiré profundo, pasé saliva una y otra vez hasta que finalmente, con los ojos aguados hice de tripas corazón y opté por hacerme el duro, como siempre. Pensaba ignorar este episodio, pero he decidido hacer esta confesión, tal vez para manifestar mejor eso que no logro describir en el canto de esta gran tanguera que esta noche tocó mis fibras más sensibles.

Bonus Track: lista de reproducción para el día del terremoto

2007-08-31T04:11:00.000-05:00

“Un 31 de agosto de un año que no diré, un terrible terremoto derrumbará a Santa fe” es la frase que me hizo temblar de chiquito. Las palabras del cura cuyo nombre no recuerdo, y el peso de la maldición hacían de las últimas noches de agosto un martirio para mí. Hoy, 31 de agosto de 2007, en medio de una ola sin igual de catástrofes naturales y alarmas tan falsas como verdaderas sobre el futuro no solo de nuestra ciudad sino del planeta entero, he decidido poner en este blog una playlist (perfectamente disponible a todos ustedes, lectores del walkman) lista para quemar en un CD, con las canciones que me gustaría oír en un día aciago como el de la catástrofe que se lleve a esta ciudad que tanto quiero. De la misma manera, seguiré poniendo cada tanto una de estas listas, con canciones que me hacen pensar en el fin de los tiempos. Como alguna vez lo dije, si ha de llegar una hecatombe, espero que me coja con el walkman puesto. No son todas canciones apocalípticas, hay muchas que simplemente me gustaría oír cuando llegue el momento en que todo se derrumbe. Acá van las canciones.

1- It’s the end of the World as we know it (and I feel fine) – R.E.M.
2- El fin del mundo – Alaska y Dinarama
3- Wave of Mutilation – Pixies
4- Great Hosanna – Kula Shaker
5- Regret – New Order
6- The day the World went away – Nine Inch Nails
7- Perfect Day – Lou Reed
8- Where the streets have no name – U2
9- There is a Light that never goes out – The Smiths
10- Half day closing – Portishead
11- Lake of fire – Nirvana (cover unplugged hecho a Meat Puppets)
12- Apocalypse please – Muse (intercambiable por Invincible, del mismo grupo)
13- Total Eclipse of the Sun – Einstürzende Neubauten
14- Outside – David Bowie
15- A Kick in the teeth - Fischerspooner
16- Appels + Oranjes – Smashing Pumpkins
17- Tomorrow comes today – Gorillaz
18- Pyramid song – Radiohead
19- El Viento – Manu Chao

Santiago Rivas

Este tema me vuelve mierda, o la celebracion de la Tristeza

2007-08-25T21:20:00.002-05:00

El pasado martes 21 de agosto (2007) estuve poniendo música en Mai Lirol Darlin (Bogotá), en una noche que dedicamos exclusivamente a la música más triste que se haya escrito, desde el tango hasta Radiohead, y de ahí todo cuanto haya. Cuando digo “dedicamos” hablo en plural por varias razones: en primer lugar, la idea de hacer una noche triste en un bar nació a lo largo de unos dos meses en que la idea evolucionó, en diferentes cabezas, hasta reventar en un par de noches con buena música triste que disfrutamos tanto como la más alegre de las fiestas. En segundo lugar, porque requiere un esfuerzo de más de uno llevar a cabo una experiencia que en el fondo celebra algo tan íntimo, tan privado y muchas veces tan específico en sus términos como la tristeza.

No busco solamente hacer promoción de estas celebraciones, de las cuales habrá de ahora en adelante una mensual. De toda esta búsqueda por despertar el sentimiento contrario al habitual en una reunión de personas ha nacido una serie de reflexiones que me gustaría compartir, respecto a la música que acompaña nuestros momentos oscuros, dado que constituye una experiencia en la que juega un papel fundamental la combinación entre nuestro gusto y nuestra memoria. La música de nuestros malos momentos hace evidente más que nunca la importancia de la música en nuestras vidas, cuando sentimos que alguien nos entiende, que hay una persona que canta eso que tanto queremos decir y sentimos atorado tan hondo en el alma. Solo entonces empezamos a entender la forma en que disfrutamos de nuestra tristeza y nuestro desasosiego.

Existe música objetivamente triste, pero si existe en realidad algo interesante es hacer una exploración de sus diferentes matices, encerrados en la experiencia individual de cada canción. La música que más pensamos es esa que solamente disfrutamos estando solos, por lo que tantas veces hemos oído decir o dicho (yo no me incluyo) la famosa frase “esta canción me vuelve mierda”, que implica que a esa persona le gusta la canción, pero trae a colación un recuerdo triste que hace de esa canción en sí una experiencia dolorosa, así se trate de “Material Girl”, o “Girls just wanna have fun”.

Siempre existe algo de íntimo en la tristeza, siempre existe algo de morboso en explorar esos sentimientos tan personales; es por eso que resulta interesante reunirnos a conmemorar la tristeza, pensando siempre que hasta el sentimiento más aciago se disfruta a su manera, y que donde quiera que exista música hay una celebración o, en este caso, una conmemoración de aquello que nos hace sufrir, para llorar en silencio mientras cantamos a todo volumen. Por eso hago extensiva esta invitación a que nos reunamos en “noches tristes”, a oír la música con las entrañas, a recordar tranquilamente, a disfrutar de música magistralmente hecha en todos los géneros e idiomas.

A manera de bonus track dejo tres playlists perfectamente cuadradas para ser quemadas en un CD, con las mejores canciones tristes que he oído hasta ahora. Si no tienen alguna de estas canciones, y quisieran tenerla o les interesa oír más música, escriban a elwalkman@gmail.com pidiendo la canción que deseen dentro de estas listas.

Playlist 1

1- Gloomy Sunday – Billie Holiday
2- Mad World – Gary Jules (cover hecho a Tears for fears)
3- Solo – Roberto Goyeneche y Astor Piazzola
4- Garúa – Adriana Varela
5- Exit Music (for a film) - Radiohead
6- Heartbeats – José González (cover hecho a The Knife)
7- La nave del olvido – Chavela Vargas
8- Sombras – Javier Solís
9- Everyday is like sunday – Morrisey
10- Thursday’s Child – David Bowie
11- El Atajo – Pequeña Orquesta Reincidentes
12- Everybody’s gotta learn sometimes – Beck (la versión original de The Korgis también puede ser perfecta)
13- Moan (vocal version feat. Anne Trolle) – Trentemøller
14- Ain’t no sunshine – Bill Withers
15- Black – Pearl Jam
16- Fell on Black days – Soundgarden
17- El Desierto – Lhasa de Sela
18- Life on Mars? – Seu Jorge

Playlist 2

1- Angel Eyes – Sting
2- I want you – Elvis Costello
3- Only you – Portishead
4- The wind cries Mary – Jimi Hendrix
5- Mayonaise – Smashing Pumpkins
6- The first time – U2
7- Wicked Game (Acústica mejor) – Chris Isaak
8- Joga – Ben Gibbard (cover hecho a Björk)
9- Caribou – Pixies
10- Hurt – Johnny Cash (cover hecho a Nine Inch Nails)
11- Playground love – Air
12- Something I can never have – Nine Inch Nails
13- Walking in my shoes – Depeche Mode
14- Father Lucifer – Tori Amos
15- Dance me to the end of love – Leonard Cohen
16- No distance left to run – Blur
17- Paris and Rome – Cranes
18- Tom’s Diner – Suzanne Vega

Playlist 3

1- El Sur – Mano Negra
2- Street Spirit (Fade out) – Radiohead
3- Can’t help falling in love – Elvis Presley
4- Linger – Cranberries
5- Bachelorette – Björk
6- All the love in the World – Nine Inch Nails
7- Liso – Pequeña Orquesta Reincidentes
8- Té para 3 – Soda Stereo
9- Après Moi – Regina Spektor
10- Rainbows – Cranes
11- Rubber Ring – The Smiths
12- Love Will tear us apart – Joy Division
13- Apart – The Cure
14- Gloomy Sunday – Diamanda Gallas
15- El Corazón es un gitano – Nicola Di Bari
16- Re-Offender – Travis
17- #1 Crush – Garbage
18- Protège Moi – Placebo
19- Superstar – Sonic Youth (cover hecho a The Carpenters)
20- Hola Soledad – Rolando Laserie

Claro, habrá objeciones y faltantes. Quiero agradecer a todos los que me colaboraron en una gran jornada de descarga de música para armar estas listas de la manera más completa posible. Como es claro, las listas finales provienen exclusivamente de mi gusto.

Santiago Rivas

Banda: Pixies

2007-08-21T04:37:00.000-05:00

Pixies es un grupo peculiar. Estamos acostumbrados a ver despliegues asombrosos de luz y actuación, apariencias de rockero y videos en el fondo. Por favor, vean un video de Pixies en escena. Son personajes desaliñados, casi parroquianos, como sacados de cualquier foto tomada en un centro comercial. Cuando yo los oí por primera vez, gracias a un cassette que un amigo había grabado de su primo, no pude hacerme a la idea de cómo se podrían ver las personas que hacían esta música. Pensé que se trataba de dos mujeres y dos hombres, por las diferentes voces que aparecían en las diferentes canciones. A los 12 años empezamos a oír música oficialmente el promedio de los seres humanos, y Pixies es un advenimiento que siempre le agradeceré al destino. Fue amor profundo entonces y lo sigue siendo. Con el paso de los años (13 para ser exactos) solo he logrado sorprenderme cada vez que oigo de nuevo lo que tiene para ofrecer esta banda que es y seguirá siendo mi favorita. A medida que fui conociéndolos me sorprendí una y otra vez, al saber, en primer lugar, que se trataba de una banda de Boston, contrario a mis especulaciones de que eran ingleses, y vine a saber luego que solo existía una mujer entre sus 4 integrantes. Las voces agudas en su mayoría provenían de su vocalista.

Todo el mundo ha oído una canción de Pixies. Cuando no se trata de "Hey", (éxito rotundo que tantas veces sonaba en los bares de nuestra temprana y tardía adolescencia y aún de repente aparece por ahí) se trata de "Where is my mind", escogida para musicalizar la escena final de Fight Club (en lo que considero el perfecto broche de oro) y de la cual, además Placebo hizo un cover. Sin embargo, muy poca gente ha oído un disco entero de ellos (de pronto Doolittle) y mucha menos gente ha visto alguno de sus videos, casi nunca rotados en MTV porque son realmente malos (pero nunca peores que lo que es MTV actualmente).

Dentro de las llamadas “bandas de culto”, esta es una de las primordiales. Más allá de lo que se pueda contar sobre su corta historia (un álbum al año entre 1987 y 1991), es necesario adentrarse en su discografía, en un sonido que va de la estridencia más abrupta a la melodía más dulce, en letras que hablan de escenas alucinadas, sórdidas y violentas, de situaciones anormales, incesto e incluso de extrañas imágenes bíblicas, incluso de OVNIS. La gente suele describirlos como un grupo que combina el sonido del punk con el del surf rock, pero considero que es una manera muy mediocre de resumir el sonido de una banda tan compleja y variada, al punto de no tener una sola canción que se parezca a la otra. Pixies es una banda que ofrece permanentemente sorpresas, que hay que oír una y otra vez para disfrutar por completo de lo amplio de su propuesta. Gritos desgarradores, solos de guitarra que se combinan con entradas de verdadero ruido, melodías dulces en el bajo y una batería tan interesante como contundente es apenas la punta del iceberg cuando quiero describir a la banda de rock que me ha acompañado desde mi pubertad, pero es necesario oírlos para entender a qué me refiero. Las descripciones formales ya están en Wikipedia (alabada sea Wikipedia).

- Discografía: (formal)

Come on pilgrim (1987)
Surfer Rosa (1988)
Doolittle (1989)
Bosanova (1990)
Trompe le monde (1991)

- Otros lanzamientos:

Purple Tape Demo (1986, posteriormente publicado)
Complete B-sides
Pixies at the BBC
Death to the Pixies

- Mi Top 15 de Pixies (no fui capaz de hacer un top 10)

1- Caribou (Come on pilgrim)
2- Cactus (Surfer rosa)
3- Gigantic (Surfer rosa)
4- Subbacultcha (Trompe le monde)
5- Is she weird (Bossanova)
6- Into the white (B-side, Here comes your man single)
7- Where is my mind? (Surfer rosa)
8- No. 13, Baby (Doolittle)
9- Wave of mutilation (tanto la de Doolittle como el B-side)
10- Debaser (Doolittle)
11- Break my body (Surfer Rosa)
12- Motorway to Roswell (Trompe le monde)
13- Trompe le Monde (adivinen)
14- Isla de encanta (Come on pilgrim)
15- Vamos (Come on pilgrim)

Santiago Rivas.

Intro 2.

2007-08-19T19:52:00.000-05:00

Hey! Mr. DJ, put that record on...
I wanna' dance with my baby...
Madonna

Este blog fue una epifanía, un momento de lucidez, una de esas ideas casuales, en la que se nos ocurrió abrir una bitácora que hablara de música en todos sus sentidos. Así que con la ayuda de Santiago Rivas (Parodiario) y la idea original de este comensal, empieza a sonar esta canción.

Con este nuevo proyecto, empieza una etapa en la que con la mayor humildad, haremos todo lo posible para que la música tenga un espacio distinto en este país y en este mundo atiborrado de reggaeton.

Empiezan pues con 'El Wolman', tiempos de fomentar y de comentar la música.
De parte de estos 2 amantes de la música, bienvenidos y si les queda alguna duda, bajen y complementen con lo que escribió mi amigo.

Les dejo un saludo y espero que gusten de este nuevo proyecto. Seguro nosotros lo haremos.

Mariano Lugari.

Intro.

2007-08-18T23:30:00.000-05:00

"But don't forget the songs that made you cry,
and the songs that saved your life
yes, you're older now
and you are a clever swine
but they were the only ones who ever stood by you"
The Smiths

Bueno, bienvenidos a este nuevo blog sobre música. Es irónico que existiendo como existe un mundo entero de música por oír y descargar en el computador, la gran mayoría de la gente se quede oyendo la misma basura que una y otra vez nos ponen en la radio y promocionan en la TV. Una encuesta reciente determinó que la mayoría de la gente en Colombia tiene como música preferida la denominada "música brillante", término que se refiere a la música instrumental que no es clásica o erudita. En resumen, a la música de los ascensores, las salas de espera, las oficinas y melodía estéreo. Supongo que para hacer una verdadera labor de fomento de la cultura musical no basta con despotricar contra esa basura (equivalente al zucaril en términos musicales) desde un blog que muy poca gente de la que considera a Richard Clayderman y Ray Conniff auténticos hitos de la música va a leer, pero creo que vale la pena de todas formas hablar sobre música porque es interesante, todos tenemos algo que decir al respecto y a final de cuentas si hay algo que tenemos que tener siempre entre ojos es nuestra cultura, la información que consumimos siempre puede ser más y mejor, como pasa con la comida. Oír música es participar de la cultura y analizar lo que hay para oír es una manera más comprometida de participar de la cultura, así que son bienvenidos los comentarios y críticas y recomendaciones que tengan para hacernos.

Ahora mismo en el mundo de la música, desde que se inventó el registro sonoro y desde que hay miles de miles de millones de giga bytes de música listos para ser descargados flotando en el mar de la información, existen tantas posibilidades que mil blogs no serán suficientes para hablar de ellas, pero haremos el intento. Tampoco quisiera ser dogmático en mis planteamientos sobre gusto, y por eso el blog se presta perfectamente para que exista una verdadera discusión en torno a la música, que a final de cuentas abarca todas las dimensiones de nuestra vida, como producto artístico y como espectáculo, como industria y como principal estandarte de nuestra identidad desde que existe la adolescencia. La música hace parte tan fundamental de nuestra vida que muchas veces la obviamos y dejamos de pensar en ella. Este es un medio nuevo para que eso deje de pasar.

El equipo de este blog está conformado por Mariano Lugari (bogota35mm) y Santiago Rivas (parodiariotv). Entretenimiento sano para toda la familia.

No siendo más por ahora, esperamos tenerlos por acá a menudo.

Santiago Rivas